Consejos para Elegir una Obra de arte

A la hora de mirar una pintura o un grabado, tienes que tener en cuenta diferentes aspectos, tanto técnicos como materiales para poder apreciar plenamente la obra. A continuación te damos un breve esquema que te facilitará esta tarea.

Aspectos materiales

Técnica

Al observar un cuadro, los aspectos materiales nos ayudan a saber ante que tipo de obra nos encontramos. El soporte es, como su propio nombre indica la base sobre la que se extiende la pintura. Puede ser madera, en cuyo caso se llama tabla, una pared, (soporte mural); tela (lienzo) o papel.

Además del soporte, vemos el material con el que está pintado. Acuarela, carboncillo, al fresco, al óleo, gouache...

Textura

La textura es la sensación que nos da el cuadro y se consigue mediante la aplicación de la pintura, si es una pintura acabada, con aspecto pulido, o si tiene abundancia de materia, que dará un aspecto más rugoso.


Aspectos Formales

Expresión formal

Es la manera en la que el artista se expresa. Debemos observar diferentes aspectos:

Línea

Se tiene en cuenta la línea de la obra, si hay un predominio del dibujo con respecto al color observará un mayor detallismo, si por el contrario es el color el que predomina la tendencia es la indeterminación de las formas. Por otra parte podemos decir que la línea es abierta ni no vemos la línea, es discontinua, o cerrada si se aprecia con claridad. Las líneas pueden ser rectas que dan sensación de estatismo o curvas que dan movimiento y sensualidad a la obra.

Volumen

Es la sensación de dos o tres dimensiones que nos aporta una obra que, según su naturaleza está en un plano bidimensional (alto y ancho) las figuras y formas aparecerán planas si se aplican colores planos, o gradaciones de color.Si por el contrario se aplica en las formas gradaciones de la luz y sombra, la sensación será de tres dimensiones, casi escultórica.

Profundidad
Es la representación del espacio, la separación en planos del fondo y la figura. Si hay una diferenciación en planos puede deberse a una perspectiva lineal, donde los objetos supuestamente más alejados del fondo se mostrarán más pequeños, o por una perspectiva de color, en cuyo caso los planos se diferenciaran por los colores aplicados.


Luz y Color

La luz se forma con el color, los colores claros son más luminosos, mientras que los oscuros darán sensación de penumbra.

La luz se utiliza para crear formas, ya que dará sensación de espacio, pero también se puede utilizar para resaltar una actitud o un objeto.

La luz se considera natural o artificial dependiendo del foco lumínico (una ventana, una vela, el sol o es la luz ambiente...). Esta luz puede venir de dentro del cuadro o el foco puede estar fuera de la composición.

El color es el elemento plástico básico de la pintura. A través del color el pintor expresa sus ideas, sus sueños, sus decepciones. Es enigmático y se considera irracional y menos inteligible que la línea.

El color se define por la aplicación del mismo, si son colores planos, tonales, si son armónicos o vibrantes, si se hacen choques bruscos de color... pero también hay que observar las características de la gama cromática, es decir, si predominan los tonos cálidos (rojos, naranjas...) o tonos fríos (azules, verdes...). Y las sensaciones que del color se desprende, si acercan la imagen al espectador o por el contrario la alejan.

En numerosas ocasiones el color tiene una función simbólica, y se plasma para motivar una sensación determinada.


Estructura interna

Una de las primeras tareas del pintor consiste en estructurar la obra decidiendo la disposición de los elementos en el lienzo y la división interna de éste.

Esta estructuración se consigue gracias a las líneas básicas de la obra, de acuerdo a las cuales se disponen los elementos del cuadro.

Composición. Se dice que una composición es cerrada cuando las figuras se adaptan a una figura geométrica simple como puede ser un triángulo o un circulo. Por el contrario se denomina abierta si las formas se adaptan a líneas en diagonal, en espiral...

Para distinguir si la composición es unitaria, los elementos del cuadro deberán estar integrados en la composición, pero también puede suceder que no lo estén, es decir, que aparezcan elementos yuxtapuestos o individualizados, en cuyo caso se dirá que tiene una composición no unitaria.

El espacio del cuadro se podrá dividir en dos o más partes, que pueden ser iguales y darán sensación de estatismo o diferentes, y entonces darán sensación de movimiento.

Las masas o manchas de color del cuadro pueden aparecer equilibradas o repartidas por el cuadro, en cuyo caso estarán descompensadas. Y en general los elementos del cuadro se dispondrán para potenciar la horizontalidad o verticalidad del mismo.

Ritmo es la capacidad de repetición de determinados elementos dentro de una obra, pueden ser las figuras, los espacios vacíos, los tamaños, colores, luces o sombras.

Estos elementos se pueden suceder o pueden enfrentarse unos a otros. El sentido del ritmo es crear movimiento.


Tema y argumento

Al observar una obra de arte, inmediatamente apreciamos si es figurativa o no. La pintura figurativa es aquella que representa formas y objetos reconocibles (animales, personas, paisajes...)

Esta pintura figurativa puede ser naturalista, si las pinturas aparecen tal y como son en la naturaleza, en cuyo caso se pueden representar de manera realista (presentando las características y defectos de lo representado), o idealizada (si no se representa un individuo específico, sino un genérico específico). Pero la pintura figurativa puede ser también esquemática, si las formas están simplificadas y no contienen todas las partes de los objetos sino sólo aquellas que los identifican.

Por otra parte, la pintura abstracta es aquella que no representa temas convencionales sino volúmenes, formas geométricas, signos... Se le denomina también pintura no figurativa.